Almuerzo cultural: Cirque du Soleil - "El viaje del hombre"

Estimados amigos,

El hombre ha tenido desde siempre una comprensible fascinación por el espectáculo, definido por la RAE como aquello que se ofrece a la vista o a la contemplación intelectual y que es capaz de atraer la atención y mover el ánimo de las personas mediante una infusión de deleite, asombro, dolor u otras sensaciones más o menos vivas o nobles.  El circo, naturalmente (y así lo reconoce la propia RAE), es uno de los espectáculos artísticos por excelencia.  Su historia se pierde en la noche de los tiempos, desde aquellas fechas inmemoriales en las que el ser humano buscaba entretenimiento y satisfacía esa necesidad mediante actos en los que el ingenio creativo y las habilidades físicas se conjugaban de modo cada vez más sofisticado.

En nuestra época resulta difícil encontrar espectáculos de mayor calidad técnica o artística que los producidos por el llamado Cirque du soleil o "Circo del sol".  Fundada en Canadá en 1984, por dos artistas vagabundos (como probablemente correspondía en buena lid a un circo), esta compañía de tan humilde origen es actualmente una mezcla muy exitosa de arte refinado, extraordinarias capacidades técnicas y físicas de sus integrantes, y una enorme popularidad entre sus seguidores, además de un gran negocio.  Actualmente, el Cirque du soleil cuenta con 4.000 empleados en más de 40 países, con un total de 19 espectáculos exhibidos en más de 271 ciudades que cubren todos los continentes, a excepción de África y la Antártida), con ingresos anuales superiores a los US$800 millones de dólares.

El espectáculo de nuestra sesión de este jueves se denomina "El viaje del hombre" y consiste en una compilación de números de otros dos espectáculos previos del Cirque du soleil denominados Mystère y Quidam.  En Mystère la compañía hace una exploración muy personal sobre los orígenes de la vida en el universo, mediante una mezcla de elementos mitológicos de las distintas culturas y música de proveniencia africana y europea, con fuertes tintes ibéricos.  En Quidam, las raíces son más bien surrealistas, ya que los intérpretes o ejecutantes son el medio para manifestar sobre el escenario la magia o fantasía de los sueños.

Tal como detalla el comentario encontrado en la contraportada del DVD que presentaremos,

"[Se trata de] una odisea asombrosa que sigue las etapas del desarrollo humano desde el nacimiento hasta la madurez. Cada etapa es presentada por un acto del Cirque du soleil. La celebración de color, luz, música y vestuario de la compañía (…) combina con un fondo variado de diversos lugares de interés, tanto naturales como históricos, alrededor del mundo. (...)  Desde la exploración de luz y sonido al principio que representa la formación del universo, 'El viaje del hombre' nos lleva al nacimiento del Hijo Universal mientras que viaja de la niñez a través de la adolescencia y hombría hasta la madurez. Su elegancia de estilo y habilidad artística sin igual lo hace un imponente banquete para los sentidos y la aventura de una vida."

Sea la primera vez o una experiencia repetida, siempre es enriquecedor ser testigos de un espectáculo del Cirque du soleil.  Esta es una excelente oportunidad para disfrutar esa posibilidad.

Los esperamos.

Saludos,

Carlos.

Almuerzo cultural: Gorecki - Sinfonía No. 3, op. 36 ("Sinfonía de las lamentaciones")

Estimados amigos,

Estamos en cuaresma y por ello parece apropiado dedicar algunos de los espacios que nos quedan, antes de la Semana Santa, a presentaciones alusivas a esta temática.

Como información introductoria, conviene recordar que la cuaresma es el período de 40 días previo a la fiesta de Pascua. Se trata del tiempo litúrgico del calendario cristiano (en este caso, el tiempo fijado por las iglesias católica y ortodoxa, y algunas evangélicas) que se establece en preparación para la celebración de la Semana Santa.

Los temas fundamentales de la cuaresma son el pecado, la conversión, la penitencia y el perdón. Son temas relevantes para entender la naturaleza humana en su dimensión espiritual, desde sus manifestaciones más oscuras (como representación del mal o pecado) a aquéllas que apuntan a la esperanza de su redención (como representación del bien o la salvación del hombre).

La obra escogida para la sesión de hoy es una pieza compuesta por el músico polaco contemporáneo Henryk Gorecki (nacido en 1933). Se trata de su composición más famosa: la Tercera Sinfonía, op. 36 (1976), conocida también como "Sinfonía de las lamentaciones".  Es un trabajo bellísimo, de música simple, lenta y contemplativa, compuesto para orquesta y soprano solista, y dividido en tres movimientos:

I.  El primer movimiento (lento,sostenuto tranquillo ma cantabile) hace alusión a un lamento polaco que data del siglo XV. Es un canon lento y prolongado para cuerdas, que dura aproximadamente la mitad de la obra.

II.  El segundo movimiento (lento e largo, tranquillissimo) contiene frases escritas sobre el muro de un campo de concentración de la Gestapo en Zakopane, Polonia, que el autor encontró duranteuna visita al lugar.  Las frases son obra de una niña, llamada Helena Blazusiak, quien pide la intercesión de la Virgen María para resolver la triste situación que en su momento sufría, prisionera de los nazis.

III.  El tercer movimiento (lento, cantabile-semplice), reproduce una canción folclórica escrita en un dialecto del polaco.

La versión que vamos a ver y escuchar es la más famosa grabada de esta obra, convertida hace unos años en un éxito mundial de ventas en el mundo clásico. Participan la London Sinfonietta, dirigida por David Zinman, y la soprano estadounidense Dawn Shaw.

La obra es una experiencia conmovedora, que toca fibras esenciales de nuestra humanidad y pone de manifiesto el valor redentor del arte al servicio de las causas más nobles de nuestro ser.
Los invitamos a acompañarnos.

Saludos,

Carlos.

Almuerzo cultural: Cortos de Norman McLaren.

Estimados amigos,

Hoy dedicaremos nuestro almuerzo cultural a Norman McLaren (1914-1987), el gran maestro del cine de cortometraje.

Aunque nació en Escocia (su apellido no es en balde), este artista fue canadiense de alma desde 1941. De hecho, trabajó para el famoso National Film Board of Canada, bajo cuyos auspicios realizó sus mejores obras.

La sesión de hoy constará de la exhibición de seis cortos de McLaren que están entre los mejores de su obra cinematográfica:

a.  Begone Dull Care (1949)
     Premio Especial de Cine de Canadá.
     Medalla de Plata, Filmes Culturales y Documentales, Festival Internacional de Berlín.

b.  Neighbors (1952)
     Premio Especial de Cine de Canadá.
     Premio de la Academia (Óscar) al mejor documental corto (EE.UU.)

c.  Blinkity Blank (1955)
     Premio Especial de Cine de Canadá (categoría: Arte y Experimentación).

d.  A Chairy Tale (1957)
     Premio Especial de Cine de Canadá.

e.  Pas-de-deux (1968)
     Premio Especial de Cine de Canadá.
     Premio BAFTA al mejor corto animado (Reino Unido).

f.   Narcissus (1983)
     Mención especial, Festival Internacional de Cine de Cortometrajes (Francia), .
     Primer Premio Madame de Staël, Festival Internacional de Cine Romántico (Francia).
     Premio Estrella Dorada, Festival de Danza ante las Cámaras (EE.UU.)

Dado que el cine de cortometraje no es tan popular como su pariente de más longitud, no son muchas las oportunidades que tenemos para ver obras de este tipo, especialmente en un mercado limitado como el nuestro.  Por eso vale la pena aprovechar este programa.  Además, conviene señalar que el cortometraje es un arte floreciente, que ofrece muchas oportunidades para el entretenimiento y la apreciación cultural.  Si lo piensan un poco, tiene mucho mérito expresar al público, en escasos minutos y con recursos técnicos convencionales, un mensaje completo de manera coherente y en una forma artísticamente relevante.  Este es otro motivo para que la sesión de este mediodía sea especial.

Los esperamos.

Saludos,

Carlos.

Almuerzo cultural: John Coltrane.

Estimados amigos,

John Coltrane (1926-1967) es una de las mayores figuras del jazz, del mismo nivel artístico de los famosos Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker, Dave Brubeck, Thelonius Monk y Miles Davis, entre otros.

Saxofonista tenor y soprano, pasó del hard bop al free jazz y luego al jazz modal. Su actividad se desarrolló al mismo tiempo que la lucha por los derechos civiles de compatriotas suyos como Martin Luther King, lo cual se refleja de alguna manera en su obra, marcada por la trascendencia política, aunque no panfletaria.

Se distinguió especialmente por ampliar el protagonismo de los instrumentos mediante los solos de jazz, que tuvieron a partir de él una forma libre y un papel preponderante en el desarrollo de las piezas. Su uso revolucionario de los sistemas multitónicos en el jazz cambió la forma de componer, armonizar e interpretar este género desde entonces, al extremo de que a estas técnicas se les llama los "cambios de Coltrane".

John Coltrane fue un constante explorador de formas expresivas para comunicarse con su público. Su música, especialmente durante sus últimos años, tiene un enorme transfondo espiritual. En distintos momentos de su vida fue cristiano, musulmán, estudioso del hinduismo, la Cábala, de Jiddu Krishnamurti (quien por entonces gozaba de gran fama en Occidente), de las creencias africanas ancestrales e incluso de la filosofía de Platón. Su hijo Ravi se llama así en honor al sitarista hindú Ravi Shankar, quien por entonces también tuvo gran influencia en Occidente, sobre exponentes tan diversos como música pop de los Beatles, el jazz fusión de "Mahavishnu" John McLaughlin y la música clásica contemporánea de Philip Glass. A raíz de sus estudios y experimentaciones musicales, Coltrane creía que ciertos sonidos y escalas podían producir, de manera directa, significados emocionales específicos en las personas y, consecuentemente, le interesaba crear estados de felicidad y entendimiento entre sus oyentes.

Su vida fue corta y azarosa. Aunque sólo grabó durante 12 años, cambió la faz del jazz de manera muy clara. Le tocaron --como quizá a todos nosotros, aunque por distintas causas- lo que podríamos denominar "años difíciles". Estuvo sumido en las drogas: LSD, heroína, alcohol, etc., y murió de cáncer hepático a los 40 años.

El programa de hoy comprende parte de un concierto en Alemania, cuando la influencia de Miles Davis era preponderante. Allí toca con Miles Davis y Stan Getz, entre otros. Hay también extractos de otros dos conciertos, en los que se aprecia un estilo más propio y de avant-garde: el primero es también en Alemania, esta vez con McCoy Tyner, Elvin Jones y Eric Dolphy; y el otro en Bélgica, ya sin Dolphy, y en preparación para la salida de Tyner y Jones.

Como a Coltrane no le gustaban las cámaras, es realmente raro encontrar videos de su música, de allí la importancia de este documento.

El video tiene una duración de 90 minutos, por lo que se empezará a las 12:30 en punto, Están todos invitados.

Saludos,

Carlos.

Almuerzo cultural: Borges - Una entrevista a fondo.

Estimados amigos,

Jorge Luis Borges era un viejo sabio. Hablar de él es como enumerar hipérboles...

Borges fue un escritor completo, aunque la prosa (narrativa y ensayo) fue su territorio más claro. Su cultura -vastísima- le permitía hablar con amplitud de todos los temas; así, podía relacionarlos, desmenuzarlos y manipularlos sin ostentación, pero con total comodidad. Esto lo hacía ameno en extremo, sin facilismos ni concesiones.

Su escritura era elegante, sencilla y profunda. Mezclaba ficción y realidad con maestría, y enganchaba a sus lectores con el caudal de información que era capaz de producir con la precisión de un orfebre suizo, todo al servicio de la literatura, no del autor.

Jugaba con el tiempo y el espacio de modo característico. Sus juegos simbólicos eran de una riqueza infinita: leerlo es siempre una aventura, pues hay que sortear acertijos, paradojas metafísicas y otros divertimentos, rigurosos a la vez que entretenidos. Tenía fascinación por los tigres, los relojes, los laberintos y el color. Le encantaba la literatura inglesa, así como las antiguas literaturas germánicas y escandinavas. Era también experto en literatura oriental, así como en Dante, Shakespeare, el Siglo de Oro español, Kafka, la Cábala y en casi todos los temas imaginables de la filosofía, el psicoanálisis, la historia y el hermetismo. Naturalmente, hablaba y leía con fluidez muchos idiomas, tanto actuales como pasados. Hay que suponer, además, que dominaba varias lenguas ficticias, producto de su imaginación privilegiada pero no abusiva.

Fue el eterno favorito de los críticos cuando se aproximaba el final de año y se anunciaba el Premio Nóbel de Literatura, pero --como sucede con los papabile-- nunca fue favorecido frente a escritores mucho más oscuros y aburridos

Como se excedía en atributos, la naturaleza lo castigó con una ceguera progresiva y hereditaria, una circunstancia tan cruel en un lector fervoroso como él, como lo fue la sordera para un músico como Beethoven. No obstante, al igual que este último personaje, es probable que esta limitación agudizara aún más su arte para decantar en mayor medida su obra.

En fin, ¿para qué decir más? Borges es un modelo de erudicción que resulta obligatorio visitar con frecuencia, como medio para disfrutar de la cultura en su más alta expresión. Este jueves se ofrece una especial oportunidad para ver y escuchar, en lugar de leer, a Borges. Hablamos de una entrevista al maestro, hecha pocos años antes de su muerte, que revela muchas de las facetas ya comentadas. Esperamos que nos puedan acompañar.

Saludos,

Carlos.

Almuerzo cultural: La "Música del Agua" de Georg Friedrich Händel.

Estimados amigos,

Georg Friedrich Händel (1685-1759) fue uno de los grandes músicos de la era barroca. Nacido en Alemania, fue, sin embargo –y a diferencia de su compatriota Johann Sebastian Bach–, un hombre cosmopolita que viajó mucho por Europa. Dentro de lo que se le permitía a un músico de esa época, Händel se relacionó con gran cantidad de soberanos y gente notable de su tiempo.

Hoy queremos presentarles una de las obras más famosas de este compositor: su famosa Música del agua.

Händel compuso la Música del agua en 1715, aunque algunos movimientos ya existían como parte de otras piezas. La obra fue estrenada en Londres, el 22 de agosto de 1715 y reestrenada, con algunas adiciones, el 17 de julio de 1717.

Cuenta la historia que la obra fue el medio por el cual este artista se reconcilió con su rey y patrón, Jorge I de Inglaterra.

Como algunos sabrán, Händel era músico de la corte de Hanover, en Alemania. El Gran Elector Georg de Hanover lo tenía a su servicio, aunque no era un hombre que se conmovía demasiado por la música. Händel, aburrido de lo pueblerino de su corte, pidió permiso a principios del siglo XVIII para viajar a Londres en respuesta a una invitación que había recibido de un aristócrata influyente y amante de la música que lo había conocido durante una visita suya a la corte de Georg. En ese tiempo, Londres era una gran metrópoli, de un estado bien establecido, mientras que Alemania era una fragmentación de pequeños estados, aliados y separados entre sí por intrigas políticas y religiosas. En razón del protestantismo común y algunos vínculos familiares entre sus casas reinantes, las cortes de Hanover y Londres eran amigas.

A regañadientes, pues era muy celoso de lo suyo, el Gran Elector dio permiso a Händel de viajar a Londres. Una vez llegado allí, al compositor se le abrió un amplio mundo cultural y social, así como comodidades materiales de las que no gozaba en Hanover. Por lo tanto, pese a sus compromisos con Georg, decidió no volver.

La reina de Inglaterra de entonces era Ana, de la familia Estuardo. Ella había heredado el trono cuando su hermana Ana –casada con William de Orange– murió sin dejar herederos. Lo mismo que Ana, María no tenía herederos (ni siquiera era casada), por lo que co ella se acababa esa dinastía. Se trataba de una enamorada de la música (y de la comida) que acogió a Händel con gran beneplácito. Sin embargo, era gorda y no gozaba de buena salud, y al poco tiempo murió. Ante la disyuntiva de no tener un heredero directo, la corte inglesa se dedicó a buscar alguien a quien coronar por toda Europa y –ya se lo imaginarán– el mejor candidato resultó ser Georg de Hanover, el Gran Elector. Éste por supuesto aceptó la corona cuando le fue ofrecida y se dirigió a Londres sin demora, después de abdicar en Hanover.

Es claro que, al enterarse, Händel entró en un período de suma angustia que no podía disimular, máxime que, cuando llegó, el nuevo rey optó por ignorarlo por completo, en el mejor de los casos. Para un músico profesional, estar en desgracia frente al rey de un poderoso país era tan triste como una sentencia de muerte.

En algún momento, al enterarse Händel de que el rey habría de salir con su corte a dar un paseo en barcaza por el río Támesis, tuvo una idea que hoy debemos agradecer. Se puso febrilmente a componer algunas piezas de danza que tenía en su cabeza, a las que agregó otras que ya existían, y les dio forma de “suite”, que es justamente un conjunto de danzas de distinto origen nacional, enlazadas para amenizar alguna ocasión festiva.

El músico pagó por su propia cuenta una barcaza adicional, llena de músicos, para acompañar musicalmente el paseo del rey. El miércoles 17 de julio de 1717, por la tarde, el rey Jorge I y un gran número de miembros de la nobleza británica se embarcaron en grandes barcas abiertas por el río Támesis desde Whitehall hasta Chelsea, donde cenaron. La música que escucharon durante esta expedición fue la Música del agua.

La obra se compone en realidad de tres suites instrumentales, dos de ellas a base de metales y una a base de maderas. Los episodios a base de metal estaban destinados a rellenar el viaje fluvial de ida y de vuelta, mientras que el episodio central a cargo de las maderas serviría de fondo musical para la cena de la corte en Chelsea.

Las piezas gustaron tanto al rey (y por ende –aunque merecidamente– a sus acompañantes), que –según el Daily Courant del 19 de julio de 1717– el rey obligó a los músicos a interpretarlas tres veces entre la ida y la vuelta. Sobra decir que Jorge I perdonó a Händel y lo readmitió en la corte como compositor a tiempo completo. Hoy, tres siglos después, todos recordamos a Händel y su música y, gracias a ella, a Jorge I también.

El nombre Música del agua deriva, pues, del escenario en el que estas piezas fueron tocadas por vez primera. No tiene, por lo tanto, nada que ver con un intento de descripción de los fenómenos acuáticos, como harían siglos más tarde los músicos del período romántico (por ejemplo, en el poema sinfónico El Moldava, que presentaremos en otra ocasión), o del período impresionista (como Debussy, a quien también podremos apreciar).

Ojalá puedan acompañarnos el día de hoy. La presentación rememora la audacia de Händel, mediante un concierto a bordo de barcaza, con trajes e instrumentos de la época, en el Támesis. No creo que se trate de algo que podamos ver todos los días.

Saludos,

Carlos.

Almuerzo cultural: Aria - La visión cinematográfica de diez áreas operáticas.

Estimados amigos,

El programa de hoy es especial por su rareza: diez de las arias operáticas más conocidas del repertorio mundial son presentadas en un formato muy novedoso, ya que cada una de ellas es recreada por un director de cine de primer orden, sin restricciones de trama, tema o imagen.

La idea de combinar ópera y cine es, ciertamente, interesante.  El resultado, en este caso, es por momentos espectacular, tanto visual como sónicamente, muchas veces simplemente por lo inesperado del concepto.

Las óperas cuyas arias se interpretan son las siguientes:

  1.  Un ballo in maschera de Giuseppe Verdi (____-____), dirigida por Nicolas Roeg (____-).
  2.  Forza del destino de Giuseppe Verdi (____-____), dirigida por Charles Sturridge (____-).
  3.  Armide de Jean-Baptiste Lully (____-____), dirigida por Jean-Luc Godard (____-).
  4.  Rigoletto de Giuseppe Verdi (____-____), dirigida por Julien Temple (____-).
  5.  Die Tote Stadt de Erich Korngold (____-____), dirigida por Bruce Beresford (____-).
  6.  Les Boréades de Jean-Philippe Rameau (____-____), dirigida por Robert Altmann (____-).
  7.  Tristán e Isolda de Richard Wagner (____-____), dirigida por Franc Roddam (____-).
  8.  Turandot de Giacomo Puccini (____-____), dirigida por Ken Russell (____-____).
  9.  Louise de Gustave Charpentier (____-____), dirigida por Derek Jarman (____-____).
10.  I pagliacci de Ruggiero Leoncavallo (____-____), dirigida por Bill Bryden (____-).

El programa dura hora y media, por lo que debemos empezar a las 12:30 en punto.  Esperamos que nos acompañen.
Saludos,

Carlos.